Dependência das redes sociais: principais causas e sintomas
Sintomas da dependências das redes sociais
O que determina a dependência? A fronteira é difusa, mas existem alguns indícios que dão bastantes pistas sobre se essa dependência das redes sociais existe ou não, embora a última palavra corresponda sempre a um profissional médico. Estes são os tiques mais habituais:
Nervosismo quando não se tem acesso à Internet, a rede social não funciona ou está mais lenta do que o habitual.
Consultar as redes sociais assim que se levanta e antes de se deitar.
Sentir-se inquieto se não tiver o smartphone ao alcance da mão.
Caminhar utilizando as redes sociais.
Sentir-se mal se não receber likes (curtidas), retweets ou visualizações.
Usar as redes sociais enquanto dirige.
Preferir a comunicação com amigos e familiares através de redes sociais em vez de frente a frente.
Sentir a necessidade de compartilhar qualquer coisa da vida diária.
Achar que a vida dos outros é melhor do que a sua, em função do que vê nas redes.
Fazer check-in para cada local ao qual vai.
A rádio pra quem curte serestas
Aqui você ouve antigas serestas dos tempos do rádio :
Saiba tudo sobre a era de ouro da Música Popular Brasileira
A cultura brasileira é extremamente rica, principalmente quando falamos sobre música. O país sempre foi recheado de artistas talentosos, cantando inúmeros estilos musicais, fazendo sucesso em todos os estados e, inclusive, no exterior.
Estilos que nascem de cada região do Brasil, cantando seus costumes, sua vivência, sua cultura, sua luta, usando a canção como uma forma de manifestação ou simplesmente para diversão. De letras mais simples a outras cheias de significados.
Mas, sem dúvida, uma das expressões artísticas mais importantes no país, que também se mistura a fatos marcantes da história do Brasil, é a Música Popular Brasileira. Composta por grandes artistas que marcaram seu nome na música nacional, e muito conhecidos lá fora também.
Essa expressão cultural nacional é uma das maiores riquezas imateriais produzidas pelos artistas brasileiros. E, como todo grande momento artístico tem sua fase mais importante, a música popular brasileira teve a chamada Era de Ouro.
A era de ouro da MPB
O período conhecido como era de ouro da música popular brasileira começou em 1930 até aproximadamente 1945. Foram 15 anos de momentos artísticos que se destacaram pela interação de vários cantores, compositores e instrumentistas, dando voz a estilos regionais, marchinhas e o samba cresciam como estilos populares, assim como a ascensão da música caipira e arranjos musicais mais complexos.
Nessa época também foram surgindo inovações tecnológicas, contribuindo ainda mais para o crescimento cultural do país. O desenvolvimento do rádio, o cinema falado e a gravação eletromagnética do som permitiram aos artistas se destacar ainda mais ao terem como divulgar mais amplamente suas músicas.
O método utilizado para gravações de música também mudou, devido ao surgimento da captação elétrica do som, que não os obrigava mais a forçar a voz para cantar. Foram essas inovações que contribuíram para a revelação de inúmeros cantores da MPB e levá-los a serem conhecidos em todo o país.
Os grandes artistas da época
Entre os destaques desse momento podemos citar os cantores que faziam sucesso com o samba diferente do tradicional, como Nilton Bastos, Ruben Barcelos, João Mina e Marçal, Ismael Silva e os irmãos Alcebíades que faziam parte da Turma do Estácio.
Muito conhecidos pelas marchinhas de carnaval estavam Lamartine Babo e Braguinha, além de Nássara, Noel Rosa e Assis Valente. Um dos sucessos mais conhecidos do país, “Aquarela do Brasil”, cantada por Ari Barroso, era uma música chamada de samba-exaltação, na qual sua letra fazia referência às belezas do Brasil.
Como se deu o fim da era de ouro?
Muitos associam o fim da era de ouro da música popular brasileira à introdução de outros estilos no país. A grande influência de estilos estrangeiros como jazz, bolero e também a música popular europeia nos ritmos nacionais levou às músicas posteriores a terem um estilo mais diferente, emotivo e pasteurizado, não se diferenciando muito uns dos outros.
Logo, os estilos internacionais de sucesso, como o rock’n’roll, entraram no mercado musical nacional e se tornaram bastante populares por aqui. Alguns estilos nacionais ainda persistiam no meio artístico brasileiro, mas a música americana, principalmente, tinha chegado para ficar e foi se destacando cada vez mais.
A HERANÇA TÃO ATUAL DA MÚSICA ANTIGA
É relativamente comum encontrarmos músicos que não sabem ler partitura, mas que possuem bom domínio técnico do violão ou da guitarra. Decerto, adquiriram esse domínio por meio de uma dentre três formas possíveis: memorizando cifras (códigos que indicam acordes), lendo tablaturas (cifras mais específicas, que indicam onde se posicionar os dedos no braço de um instrumento de cordas dedilhadas, a fim de produzir os acordes desejados) ou de ouvido mesmo.
Cifras e tablaturas são métodos alternativos de notação musical que vêm do alto Barroco e enriqueceram a técnica de desenvolvimento harmônico chamada de homofonia. Como este artigo tem como público-alvo leigos em música, será necessário explicar, assim, alguma terminologia. Falamos, aqui, de harmonia dentro do universo musical: as normas que regem as relações entre as notas musicais sobrepostas (isto é, os acordes) e suas possibilidades de sequência.
Do processo de desenvolvimento discursivo musical conduzido por uma única linha vocal, chamado de monofonia ou monodia (cerne do canto sacro nas três religiões abraâmicas), até o de expansão e equilíbrio de duas, três ou tantas linhas vocais simultâneas, denominado de polifonia (regido pelo respectivo conjunto de normas, o contraponto), foram precisos alguns séculos, da Idade Média à Renascença.
O contraponto, regulação ligada intrinsecamente à harmonia, mas até então mais preponderante do que essa, floresceu muito particularmente no âmbito do canto litúrgico católico romano e continuou sua vereda no seio das igrejas reformadas. Porém, nesse meio tempo, viu nascer uma condução de discurso protagonizada por uma única linha vocal acompanhada por um ou mais instrumentos, qualificada de homofonia – que permitiu a proeminência da harmonia pura, sem a preocupação intrínseca com o contraponto.
A homofonia e a polifonia acharam diversas possibilidades de caminho em conjunto, abertas especialmente por compositores como os irmãos Gabrieli (sec. XVI), Giovanni Pierluigi da Palestrina (c.1525-1594), Claudio Monteverdi (1567-1643) e, na Alemanha, Heinrich Schütz (1585-1672), até culminar na obra daquele que é tido por parâmetro da perfeição divina encarnada em sons: Johann Sebastian Bach (1685-1750). Mas interessa-nos contextualizar, primeiro, sobre como nasceu a homofonia. E isso muito se deveu à Camerata Florentina.
A HOMOFONIA E A ÓPERA
Na movimentada Florença quinhentista, sob o comando dos Médicis, surgiram muitos grupos não acadêmicos de discussão filosófica, artística e científica. Em um deles – a Camerata Florentina, mantida pelo mecenas Giovanni de’Bardi (1534-1612) –, a música era o tema central das conversações. A Camerata foi um dos principais focos de contestação à prática da música coral polifônica da época (cantada por várias linhas vocais distintas, tratadas igualmente, e sem, ou quase sem, acompanhamento instrumental).
Instigados pela correspondência com o helenista residente em Roma Girolamo Mei (1519-1594), o alaudista Vincenzo Galilei (1533-1591, pai de Galileu) e de’Bardi lançaram as bases de uma nova prática de canto. Priorizando a compreensão clara da poesia e os solos vocais acompanhados por instrumentos, a homofonia se mostrou uma forma eficiente à recém-pensada reconstituição dos dramas gregos, nominada de ópera, que se alastrou pelos teatros europeus (e, mais tarde, mundiais) desde 1597, com a aparição do primeiro drama musicado: Dafne, de Jacopo Peri (1561-1633).
Esse compositor residente em Florença criou ainda mais uma ópera, Eurídice (1600), cuja partitura sobreviveu completa até nossos dias, ao contrário da de Dafne. Curiosamente, aquela reconstituição carregou um crucial engano conceitual, descoberto a posteriori (como narra o crítico operístico Sergio Casoy, no livro A invenção da ópera): devido às escassas e fragmentárias fontes, disponíveis à época, sobre o assunto, pensava-se que o drama grego era um espetáculo integralmente cantado, na Grécia Antiga.
Na verdade, apenas o coro cantava, e em momentos determinados da trama. Assim, a ópera acabou aparecendo como algo, de fato, novo, enquanto era pensada como um produto de música antiga (da Antiguidade grega, a rigor). Seja como for, a homofonia serviu como a plataforma perfeita para o protagonismo da voz solista, e, por conseguinte, para a expressão dramática desta, ao mesmo tempo em que viu o acompanhamento musical ganhar autonomia e enriquecer a função dos instrumentos musicais, permitindo que estes ditassem ritmos e atmosferas sentimentais para a evolução da própria voz solista – e depois, no Barroco, prescindindo desta.
Na música profana, as duas coisas, canto solista acompanhado e a música puramente instrumental, já existiam há bastante tempo (vide os aedos da Grécia Antiga – os cantadores daqueles tempos – e as danças populares medievais), mas não com a riqueza de possibilidades estéticas que compositores sacros e dramáticos vieram a oferecer a elas do século XVI em diante.
A flexibilização e a riqueza do acompanhamento instrumental foram atingidas graças ao desenvolvimento do baixo contínuo, uma estruturação musical em que, graficamente, apenas a nota mais grave do acompanhamento (a do baixo) é assinalada na partitura ou por extenso (cifrada) – conforme a nomenclatura inglesa ou alemã, em que as notas têm nomes de letras –, junto com números que indicam a relação das demais notas com aquela.
Já nas tablaturas, via de regra, os números assinalam a posição dos dedos do executante no braço do instrumento, como dito no início deste texto. Para o compositor e musicólogo Harry Crowl, mineiro radicado no Paraná, o sucesso das tablaturas tem todo o sentido: “São códigos que dialogam com a fisiologia dos dedos e do braço do instrumento e, portanto, bem mais simples de ser interpretados”.
Mesmo com algumas linhas gerais a obedecer, os intérpretes passaram a ter mais liberdade de execução e improvisação. Para se entender melhor: pegue um acorde de três notas quaisquer – dó, mi e sol, por exemplo. Você pode dispô-las em um violão ou um instrumento de teclado de múltiplas formas, trabalhando distâncias (posições das notas em determinadas oitavas) e dobramentos (duplicações) entre essas notas. A título de melhor entendimento: escolha uma canção de sua preferência e compare como alguns cantores a executam no violão ou na guitarra. Nenhum executará igual ao outro.
VOX POPULI ET VOX DEI
A consolidação da homofonia na ópera e na canção de câmara também influiu a música sacra. Embora a música coral escrita a partir da Renascença, por sua própria natureza (que classifica as vozes em grupos, de acordo com os timbres destas), exija um tratamento polifônico, esse tratamento veio a ser simplificado com Palestrina (vide a Missa do papa Marcelo), em prol da inteligibilidade do texto cantado – que havia perdido a compreensão em meio das múltiplas linhas vocais simultâneas da polifonia em sentido estrito.
Harry Crowl aponta que, além das colaborações musicais empreendidas por Palestrina, Monteverdi prestou uma contribuição essencial por adotar amplamente o baixo contínuo, variar a metrificação (utilizar mais opções de compassos) e reforçar o conteúdo dramático do texto, conforme absorvera indiretamente da Camerata Florentina – indiretamente porque, a Monteverdi, que vivia no ducado de Mântua, é atribuído algum grau de contato com a música de compositores florentinos. Não se contesta a revolução da concepção operística que foi a estreia de Orfeu (1607), o primeiro drama musical monteverdiano, 10 anos depois da Dafne de Peri. Apenas não temos como precisar qual foi o grau de contato entre esses compositores.
Com a ópera, no ocaso da Renascença, a música secular ultrapassou a música sacra em interesse do público e fundiu outras artes tão diversas quanto a música, a literatura, a dança (balé) e o teatro. O balé clássico, em particular, sistematizou-se (como o conhecemos hoje) na França, em 1661, graças à fundação da Academia Real de Música, na corte de Luís XVI. Contudo, o balé clássico vem, igualmente, da corte florentina, no século XVI. Seus espetáculos agregavam outras artes, tal qual a ópera, porém sem que houvessem logrado algo único.
O professor do Departamento de Música da Universidade Federal da Paraíba, Ibaney Chasin, concorda que a influência entre a música clássica e a profana passou a ser de absoluta mutualidade. “Pense-se, por exemplo, que, a fanfarra musical que abre o Orfeu, de Monteverdi, é a mesma com a qual o compositor abre sua obra sacra Vespro della Beata Vergine. O que conecta as duas obras, de fato? Os afetos humanos expressos! Portanto, o que as liga, radicalmente, é o modo como Monteverdi pensa e faz música: para ele, nada mais é do que expressão da interioridade que vive e sofre, alegra-se e entristece, nasce e morre – seja isso uma polifonia ou uma melodia, as quais, aliás, em Monteverdi, interpenetram-se à exaustão. De fato, são uma e a mesma coisa” disserta.
“A necessidade do uso de afetos abrange tanto a música sacra quanto a profana. Como na música sacra há um limite imposto pelo conteúdo dos textos litúrgicos, esta tende a ficar mais confinada, enquanto a música profana começa a se expandir, especialmente no campo instrumental”, complementa Harry Crowl. Como Monteverdi transitava com maestria entre ambas, sua influência reverberou tanto nos motetos e missas que escreveu quanto nas óperas e madrigais.
Monteverdi e Palestrina, por sua vez, tiveram um grande sucessor em terras alemãs: Schütz, que abriu caminho para a construção do hinário protestante (ou, se quisermos usar outras palavras, sem estarmos errados, da música gospel). A Reforma, por promover a tradução da Bíblia para as línguas nativas e envolver os fiéis na pregação da palavra e na liturgia, impulsionou uma tendência de hinos rimados, e calcados em melodias simples e lentas, de modo que não precisam mais lançar mão de cantores monges ou sacerdotes. Michael Praetorius (1571-1621) e Dieterich Buxtehude (1637-1707) contribuíram sobremaneira para essa “nova tradição” da música sacra que vai do luteranismo até o neopentecostalismo hodierno – este, bem-influenciado pela música pop.
CONSIDERAÇÕES ACÚSTICAS
Existe uma sensível diferença entre muitas gravações de música antiga e de música pós-barroca, que está no diapasão, costumeiramente mais baixo nas obras de antanho. Conhecemos por diapasão o objeto metálico utilizado para emitir uma nota musical padrão (por convenção, a nota lá, acima do dó central do piano), usado no processo de afinação de um instrumento. Essa nota é materializada em uma quantidade X de vibrações por segundo (hertz), que serve de base para as demais, pois todas as notas guardam uma proporção matemática exata entre si.
Por extensão, o termo diapasão aplica-se a essa frequência convencionada. Atualmente, o diapasão mais disseminado para a nota lá é 440 hertz (enquanto no séc. XIX o predominante era de 432 Hz), mas podemos encontrar variações de 410 a 444 Hz, por exemplo. É certo que, com o passar do tempo, o diapasão foi crescendo, mas há um limite a ser respeitado, para não extrapolar a afinação das notas superagudas de um piano ou de um órgão.
Segundo Ibaney Chasin, que é autor do livro O canto dos afetos. Um dizer humanista: aproximações à reflexão musical do renascimento tardio italiano (Perspectiva, 2004), o aumento do diapasão “foi o resultado da busca de uma maior projeção sonora, que subentendeu o desejo de um brilho sonoro mais intenso. O diapasão que sobe é exigência social de brilho, intensidade, força sonoras – exigência que, sem dúvida, tem por impulso a necessidade de uma sonoridade capaz de dar conta de teatros cada vez maiores e maiores”. Um diapasão mais baixo, portanto, como encontramos na música antiga, tende a ter efeito menos instigante sobre nosso subconsciente.
Outro fenômeno acústico digno de nota, que alterou significativamente a percepção (e também a escrita) musical, na Renascença, foi o emprego dos cori spezzati (coros separados): devido à disposição da Basílica de São Marcos, em Veneza, os coralistas não haviam como se posicionar à frente do altar-mor, então a solução adotada consistiu em dividirem-se entre as naves laterais, mas sem cantarem simultaneamente – e, sim, responsorialmente –, já que o eco interno da igreja possui uma reverberação acima do comum. Tal prática começou por volta dos anos 1540 e teve seu apogeu com os irmãos Andrea e Giovani Gabrieli, em cerca de 1580.
Esse eco, ainda por cima, atrapalhava o tratamento polifônico, que, por sua vez, tinha como fórmula mais consagrada o cânone – no qual as linhas vocais introduziam uma mesma melodia em entradas (momentos) diferentes, criando um efeito de eco próprio (eco, aqui, em sentido figurado) que, numa igreja como a de São Marcos (sob um eco propriamente dito), tornava mais ininteligível ainda o texto cantado. Todos os compositores principais do séc. XVI que puderam ir a Veneza para apreciar essa ocorrência natural de som estereofônico o fizeram, inclusive Monteverdi, que se mudou de Mântua para lá e assimilou o estilo dos cori spezzati.
Por fim, com o passar do Alto Barroco (séc. XVII), muitos instrumentos musicais foram caindo em desuso, enquanto outros foram ocupando lugares cada mais centrais na cena camerística e orquestral. O aflorar da música instrumental, do final da Renascença para o início do Barroco, delineou, ainda por cima, os primeiros respectivos gêneros musicais: a sonata de igreja e a sonata de câmara, a fantasia, a tocata, o prelúdio.
Hoje, instrumentos como a tiorba, o alaúde, a viola da gamba e o cravo praticamente são ouvidos apenas na execução de música antiga, com relativa exceção do último, a quem diversos compositores desde o século passado voltaram a escrever obras. Outros, a exemplo do trompete, da sacabuxa (que evoluiu para o trombone moderno) a trompa e a flauta transversa, sofreram modificações mais tardias. O piano veio mais tarde, depois de 1700.
Nessa evolução e “seleção natural” das famílias de instrumentos, o violino emergiu como o maior protagonista. Seu polo de luteria pioneiro, na cidade italiana de Cremona, adquiriu renome mundial graças a famílias de luthiers que aperfeiçoaram a construção do violino (bem como da viola, do violoncelo e do contrabaixo), elevando-a a um nível inigualável: os Stradivari, os Guarneri e os Bergonzi, mas sobretudo os Amati, cujo primeiro representante, Andrea (c.1505-c.1578), estabeleceu os parâmetros de confecção violinística que conhecemos.
Os instrumentos de metais e madeiras, em sua maioria, passaram por avanços técnicos de fabricação nos períodos clássico e romântico (1750 a 1830, nomeadamente). Mesmo assim, não possuem rigorosamente o mesmo timbre dos atuais, pois há sutis diferenças, pelos materiais atualmente utilizados. Os instrumentos de cordas friccionadas constituem exceção, mas até certo ponto, pois os violoncelos ganharam espigões, para que ficassem apoiados no chão, e não mais no colo dos instrumentistas, o que permitiu melhor projeção sonora; alguns contrabaixos ganharam uma corda mais grave, para duplicarem sem restrições os violoncelos; e as cordas mudaram da tripa animal para o metal.
Se nos dias atuais dispomos de instrumentos musicais de feitura sofisticada, preocupamo-nos com uma afinação precisa, temos uma consciente percepção tridimensional do som, apreciamos musicais e óperas-rock, deparamos com a força da música gospel e lemos música sem precisar necessariamente de partituras, devemos agradecer às inquietações intelectuais e artísticas oriundas da Itália renascentista. Florença, Cremona, Mântua e Veneza valem mais do que pensamos: não nos fizeram apaixonados por elas só pelos olhos, por sua arquitetura, mas também pelos sons.
CARLOS EDUARDO AMARAL é jornalista, crítico musical, pesquisador e mestre em Comunicação (UFPE). Pela Cepe publicou, entre outros, Clóvis Pereira – No reino da pedra verde, sobre o maestro pernambucano. Organizou o livro Coletânea de crítica musical – Alunos da UFPE (independente) e colaborou com o livro O ofício do compositor (Editora Perspectiva).
Qual é a diferença entre a Web Rádio e a Rádio tradicional?
Além disso, a Rádio tradicional também exige uma maior regulamentação pública. O Governo Federal exige que as emissoras de rádio e de televisão sejam regulamentadas, já que o seu funcionamento afeta diretamente a população brasileira.
Enquanto isso, a Web Rádio possui maior liberdade para a transmissão de suas informações e para estar presente na Internet, meio onde é muito fácil a sua expansão e a regulamentação do Governo Federal e da Anatel não existe.
De acordo com o Inside Radio 2021, estudo realizado pela Kantar IBOPE Media, três em cada cinco brasileiros escutam rádio todos os dias, em qualquer meio, com uma média de tempo diário de quatro horas e 26 minutos.
Primeira transmissão oficial, em 1922, marcou o início do rádio no Brasil
No dia 7 de setembro de 1922, durante a comemoração do centenário da Independência, brasileiros ouviram pela primeira vez uma transmissão de rádio. Nessa data, foi veiculado o discurso do então presidente da República, Epitácio Pessoa. Ele estava no Rio de Janeiro e os aparelhos receptores instalados em Niterói, Petrópolis e São Paulo. Esse momento marcou o início do rádio no Brasil. Anos depois, o meio de comunicação conquistou a população, se tornou paixão nacional e um importante instrumento para integração regional.
Por meio das ondas de radiofrequência se tornou possível romper barreiras geográficas e sociais, promovendo acesso a conteúdos informativos e educativos em todo país. A primeira emissora brasileira foi a Rádio Sociedade do Rio de Janeiro, fundada em 1923 pelo antropólogo e educador Edgard Roquette-Pinto – que também viabilizou a primeira transmissão, em 1922, e é considerado o pai da radiodifusão no Brasil. A emissora tinha como principal propósito promover a educação. Segundo o idealizador, o rádio era a “escola dos que não tinham escola”. Na década de 1920, a taxa de analfabetismo era de 65%, de acordo com censo demográfico da época.
Apesar do potencial, no início, o rádio ainda tocava em caráter experimental e começou a se popularizar na década de 1930. Principalmente após a sanção de uma lei, pelo então presidente Getúlio Vargas, em 1932, que autorizava a transmissão de propaganda pelas emissoras. Esse foi um incentivo para que empresas começassem a investir e os aparelhos de rádio ficassem mais acessíveis. Com isso, passaram a ganhar espaço a música popular e os programas de entretenimento – como radionovelas. Na década de 1950, o rádio viveu a “Era de Ouro”.
Ainda hoje é um dos principais meios de comunicação, capaz de chegar a todos os brasileiros, desde os que vivem nas capitais até os que estão no interior do país, em localidades de difícil acesso.
NOVAS FREQUÊNCIAS - Ao longo dos anos, o rádio resistiu e se adaptou à chegada das novas tecnologias. Uma das principais mudanças pelas quais passa para continuar como um importante instrumento para prestação de serviços é a migração na frequência de transmissão de AM (Amplitude Modulada) para FM (Frequência Modulada). As rádios que operam em AM alcançam uma área maior, porém estão bem mais sujeitas a interferências e ruídos. Por outro lado, rádios FM cobrem uma área menor, mas contam com aumento significativo na qualidade. Além disso, alguns aparelhos mais novos, como celulares e tablets, não sintonizam AM.
Com a migração, também se tornou necessário ampliar os canais disponíveis para comportar mais emissoras. Por essa razão, atualmente existe o que chamamos de “banda estendida”, com novos canais nas frequências de 76,1 FM a 87,5 FM.
João Pessoa tem maior evento de Carnaval da história com prévias, tradição e ‘Ainda Tem’
O Carnaval 2024 de João Pessoa foi um marco na história da capital paraibana. O evento começou ainda no mês de janeiro com os blocos nos bairros e, no dia 2 de fevereiro, o público prestigiou a abertura oficial do Folia de Rua com o cantor Alceu Valença no Ponto de Cem Réis. A festa, realizada pela Prefeitura de João Pessoa, tendo à frente sua Fundação Cultural (Funjope), reuniu uma multidão e foi assim durante todos os dias desta celebração que ainda não acabou. Neste sábado (17), ‘Ainda Tem’ folia na cidade
Em um mês de festejos carnavalescos, João Pessoa reuniu mais de 50 blocos, contando com os que se concentram apenas no Centro Histórico, a exemplo do Bloco do Mofado, Cortejo Oxalá, As Calungas e Alumiô, além de mais de uma centena de artistas distribuídos nessas festividades.
A abertura do Folia de Rua foi um grande sucesso pela qualidade dos artistas, pela estrutura montada no Ponto de Cem Réis e também pelo público de João Pessoa e os turistas que aderiram à festa e abraçaram o Carnaval pessoense, um projeto forte que uniu todas as culturas.
João Pessoa teve variados ritmos como maracatus e frevos, mostrando toda a diversidade da sua cultura, sempre estimulada pelo prefeito Cícero Lucena, valorizando e prestigiando os blocos, os bairros e as agremiações.
Carnaval Tradição – Entre os dias 10 e 12 de fevereiro, o Carnaval Tradição também mostrou sua força com as agremiações levando para a Avenida Duarte da Silveira o resultado de uma preparação dedicada aos desfiles. Cada uma com sua beleza, seus temas e suas performances provaram que o apoio da Funjope é essencial para que o evento seja um sucesso a cada ano.
Nesta terça-feira (13), foram anunciados os melhores do nosso Carnaval, com a Unidos do Roger como campeã das escolas de samba; a Ubirajara campeã das tribos indígenas do grupo A, e a Tabajara, do grupo B. A ala ursa Urso Branco e Companhia conquistou o primeiro lugar na categoria. Já os clubes de frevo, o primeiro lugar do grupo A ficou com os Ciganos do Esplanada, e do grupo B, Sai da Frente Dona Emília levou o troféu de melhor colocada.
Segurança – A Funjope também destaca o cuidado que a Prefeitura de João Pessoa tem com a segurança do seu público em todos os eventos que realiza. Por isso, a partir de um planejamento iniciado no mês de novembro, o município trabalhou em parceria com diversos órgãos de segurança, como Guarda Civil Metropolitana, Polícia Militar, Polícia Civil e Corpo de Bombeiros, garantindo tranquilidade para o folião brincar.
‘Ainda Tem’ – Neste sábado (17) a folia segue em João Pessoa com o ‘Ainda Tem’, com atrações que começam a se apresentar a partir das 12h, em polos espalhados pelo Centro Histórico. O evento terá shows da banda Tracundum, no Largo de São Frei Pedro Gonçalves, bem pertinho do Hotel Globo; Cabruêra, no Ponto de Cem Réis; Salete Marrom, na Praça Rio Branco; e Myra Maya, na Casa da Pólvora. O ‘Ainda Tem’ envolve também um cortejo das culturas populares e carnavalescas.
Texto: Lucilene Meireles
Edição: Cristina Cavalcante
Fotografia: Daniel Silva
AMOR DE CARNAVAL
Chico Buarquematou a charada nos versos de Noite dos Mascarados. Ele fala sobre como o anonimato é promessa de liberdade efêmera: "Mas é carnaval/ Não me diga mais quem é você/ Amanhã tudo volta ao normal/ Deixa a festa acabar/ Deixa o barco correr/ Deixa o dia raiar, que hoje eu sou/ Da maneira que você me quer/ O que você pedir eu lhe dou/ Seja você quem for/ Seja o que Deus quiser!" Cada um, escondido em seus adereços e fantasias, deixa sair o bufão que existe dentro de si. No bloco na Vila Madalena, mulheres adultas brincavam de atirar água e espuma, umas nas outras, como se fossem crianças. Leves e alegres. Será que, como Chico disse, as pessoas "desatinam" quando a brincadeira acaba e "toda cidade anda esquecida da falsa vida da avenida"? Não sei. Mas que é bonito quando um amor vinga no carnaval, é. Conheço um casal muito lindo e querido que se conheceu no meio da folia. Ela dizia "imagina que ele vai me ligar"; e ele pensou "imagina que ela vai se lembrar de mim". Aí... que ele ligou. E ela se lembrou. E, este ano, eles levaram a Isabela, de 6 meses de idade, a seu primeiro bloco de carnaval.
As batidas do bloco de samba ou batuque de axé viraram uma macia bossa-nova. As fantasias estão no porta-retrato na sala de estar. A bebedeira e a intensidade daquele carnaval deram espaço para a calmaria. Os dois mascarados viraram namorados. E a história, mesmo sem Chico Buarque, é bonita de contar.
Fonte:estadão
ANTIGOS CARNAVAIS
“Este ano não vai ser igual àquele que passou”, diz o verso de abertura da marchinha Até Quarta-Feira, cantada há décadas, ano após ano, em bailes e blocos de carnaval. Sinal de que nem tudo muda muito na brincadeira desde o início do século XX, quando a festa passou a incorporar ao Entrudo – folguedo tipicamente português em que as pessoas atiravam água, farinha e fuligem umas nas outras – elementos do carnaval de Veneza até ganhar identidade nacional com o surgimento de cordões, ranchos, blocos e escolas de samba. Não tem mais o bonde, que nos carnavais cariocas circulava como um carro alegórico apinhado de foliões fantasiados, os salões perderam definitivamente a batalha de confete para as ruas, mas a tradição de homens vestidos de mulher, por exemplo, permanece há um século. Claro que de maneira cada vez mais ousada, basta comparar a foto de Augusto Malta enquadrando o grupo As Marrequinhas no Clube dos Democráticos, em 1913, com flagrantes de Maureen Bisilliat colhidos na Banda de Ipanema dos anos 1960/70.
Neste ensaio, um pouco dos carnavais que passaram pelas lentes de alguns dos grandes nomes da fotografia com acervo sob a guarda do IMS. Evoé Momo!
Fonte:https://ims.com.br/por-dentro-acervos/antigos-carnavais/
MENTIROSO PATOLÓGICO: SAIBA O QUE É, COMO IDENTIFICAR E TRATAR
Em algum momento, você já se deparou com pessoas que parecem criar um mundo surreal nas histórias que contam? Ou já se deixou levar por mentiras tão bem enredadas que, quando descobriu que era uma farsa, até se sentiu ingênuo por acreditar? Se isso aconteceu, você pode ter se deparado com um mentiroso patológico.
A mitomania é uma doença real, não é apenas justificativa para mau-caratismo. Quem tem esse problema mente impulsivamente, sem pensar no porquê ou para quê enganar os outros. Vamos falar mais sobre esse tema? Leia o que vem a seguir!
Mitomania: a compulsão pela mentira
O mentiroso patológico é aquele que mente por compulsão. Trata-se de um problema psicológico conhecido como mitomania, também chamado de mentira obsessivo-compulsiva. Pessoas com essa desordem não têm um nível adequado de consciência, chegam a perder a dimensão da realidade e tendem a misturar fantasia e fatos da vida real — em suas histórias e em sua própria mente.
Ao contrário dos sociopatas, o mentiroso patológico nem sempre tem a intenção de manipular o seu interlocutor ou tirar alguma vantagem com as histórias que inventa. Na maioria dos casos, ele é guiado apenas pela necessidade de mentir, sem esperar nenhuma recompensa externa.
Assim como não querem se beneficiar com suas mentiras, os mitomaníacos também parecem não se incomodar com a possibilidade de serem desmascarados. É como se os sentimentos de culpa e vergonha não fizessem parte de seu repertório emocional.
A mente humana é extremamente complexa e entender a origem psicológica da mitomania ainda é o objetivo de muitos especialistas e estudiosos da área. Até o momento, existem apenas teorias sobre o que existe por trás desse problema.
O que se sabe, até agora, é que a mentira obsessivo-compulsiva está muito mais associada à impulsividade do que a um comportamento planejado e calculista. Percebe-se, também, que pessoas com certos transtornos de personalidade têm mais propensão para apresentar sinais de mitomania, como nos casos de:
Transtornos de Personalidade Borderline;
Sociopatia — ou Transtorno de Personalidade Antissocial;
Transtorno de Personalidade Narcisista;
Transtorno Opositivo-Desafiador e Transtorno de Conduta — os quais são identificados na infância e adolescência.
Os traços do mentiroso patológico
Existem certas formas de identificar quando alguém conta uma mentira. É possível perceber alterações, principalmente na linguagem não-verbal do indivíduo. Alguns exemplos de atenção que se deve ter para identificar um mentiroso são:
olhar atentamente para as expressões faciais da pessoa;
observar movimentos do corpo que indiquem ansiedade, como mãos agitadas;
perceber mudanças repentinas no tom de voz;
reparar se o indivíduo é capaz de sustentar o contato visual e quais são os sinais que ele transmite com o olhar.
Contudo, essas técnicas de leitura do movimento corporal nem sempre têm efeito quando se trata de analisar um mentiroso patológico, pelo simples fato de que muitos mitomaníacos não demonstram reações emocionais como a maioria das pessoas mentalmente saudáveis. Da mesma forma, eles podem ser desprovidos de empatia e, por isso, não se importam nem um pouco com os sentimentos alheios e com as consequências de suas mentiras.
O RELACIONAMENTO A DOIS
Um casal ao longo da convivência vai experimentando a amarga desilusão de que o outro real é bem diferente daquele idealizado. Ambos os cônjuges descobrem que o outro nem sempre concorda, nem sempre entende a sua perspectiva e nem mesmo os anseios profundos que cada um carrega dentro de si. Percebem que, por mais que tenham afinidades e sintonia em muitos aspectos, cada um tem gostos pessoais distintos que se evidenciam no modo de funcionar em ritmos diferentes nas mais variadas formas, incluindo a forma de comer, dormir, descansar, trabalhar, bem como de desejar o sexo. As ilusões e desconfortos com o outro real podem levar um casal a muitos desentendimentos. Boa parte das brigas acontecem porque se ocupam tentando de todas as formas fazer com que o outro se encaixe naquilo que foi imaginado anteriormente pelas expectativas idealizadas da arrebatadora fase da paixão. O professor Dr. Carlos "Catito" Grzybowski refere que os cônjuges nessa saga, inconscientemente, se empreendem na brincadeira de serem “deus” um na vida do outro, pois parecem tentar "criar o outro a sua imagem e semelhança”. Seguindo nessas tentativas percebem-se cansados e vão se dando conta de que se continuarem se relacionando por esse viés correm o risco de se separar. Muitos seguem se separando de fato, ou pelo divórcio ou relacionalmente.
No entanto, o casal que decidir permanecer junto e crescer terá a oportunidade de experimentar uma linda história de amor.
Crescer como casal requer o envolvimento de ambos de forma comprometida e proativa no sistema do casamento, incluindo as seguintes posturas:
Disposição para o amor, respeito e serviço mutuo.
Disposição para o diálogo, numa fala assertiva (habilidade de expressar opiniões e sentimentos sem atropelar o outro) e numa escuta empática (habilidade de ouvir levando em consideração a perspectiva e o sentimento do outro).
Renunciar a expectativa do outro ser "deus", achando que tem a capacidade de satisfazer todas as expectativas de felicidade e de preenchimento das penúrias internas. Da mesma forma abdicar da tarefa de ser "deus", achando que tem a responsabilidade de preencher os vazios e anseios por felicidade do outro.
Coragem para trabalhar as próprias imperfeições e mudanças necessárias.
Abertura para o entendimento de que o amor ação vem antes do amor sentimento.
Aceitação do outro em suas diferenças (personalidade, gostos, ritmos etc.).
Envolvimento na construção da intimidade.
Os cônjuges vão experimentando o sentido da vida a dois na medida em que se movem um em direção ao outro construindo o seu relacionamento como o vínculo mais significativo. Na revelação mutua e continua amadurecem na aceitação um do outro, o que aprofunda gradativamente a sua intimidade. Nessa dinâmica, ambos experimentam a leveza que é conviver com alguém com quem se pode ser quem se é, sem reservas, sem segredos, nem maquiagens ou coreografias. E certamente esse é o melhor lugar para se estar, ao lado de alguém com quem livremente se pode ser quem se é.
A aceitação facilita a intimidade e a liberdade de se expor vai libertando da solidão e dos medos de se expor. Conforme refere Matew Kelly “nada liberta mais do que não ter nada pra esconder”. Revelar opiniões, gostos, sentimentos, sucessos, fracassos, sonhos, crenças, medos e necessidades é libertador quando se é aceito pelo outro. As diferenças, ao invés de serem um incômodo, acabam sendo acolhidas como um potencial de enriquecimento da vida a dois. O autor enfatiza que a construção da intimidade é um processo de revelação mutua e contínua. É preciso contar ao outro quem se é. O outro não tem a capacidade mítica de ler pensamentos, nem mesmo o que se passa no coração. Simplesmente porque não se é Deus e por não se ter bola de cristal.
A intimidade do casal se intensifica em níveis cada vez mais profundos na medida em que ambos se encontram como pessoa. Compartilham a vida sem impor vontades e mandos um ao outro. A solidão vai sendo substituída por um sentimento de partilhar a existência em comunhão. Os cônjuges experimentam cada vez mais estabilidade, segurança, validação e maturidade. O sentido de estar casado com essa pessoa se afirma positivamente. Numa relação assim seguem maduros e livres para se doar também aos demais, sem desvalorizar sua própria relação.
Fonte:https://www.clariceebert.com.br/single-post/2018/06/10/o-sentido-da-vida-%C3%A0-dois
Quando apareceu o Carnaval?
O Carnaval é a festa mais tradicional do Brasil e atrai milhões de pessoas para celebrá-lo nas ruas todos os anos.
Atualmente, o Carnaval é a festa mais popular do Brasil e é comemorado em data móvel, que é influenciada pela data que determina a Páscoa. A Terça-feira de Carnaval é comemorada exatamente 47 dias antes do Domingo de Páscoa. As próximas datas para a Terça-feira de Carnaval no Brasil serão:
2020: 25 de fevereiro
2021: 16 de fevereiro
2022: 1º de março
Para percebermos a dimensão do Carnaval em nosso país, podemos usar o exemplo de algumas cidades. No Rio de Janeiro, em 2019, o Carnaval levou cerca de 7 milhões de pessoas às ruas e mobilizou uma receita de 3,7 bilhões de reais|1|. Já em São Paulo, a quantidade de pessoas nas ruas foi de cerca de 5 milhões no mesmo ano|2|.
O Carnaval consolidou-se como a principal festa popular do Brasil na década de 1930, durante o governo de Getúlio Vargas. As principais festas de Carnaval do Brasil ocorrem nas cidades de São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador e Recife. Os blocos de rua e os desfiles das escolas de samba são seus principais meios de realização.
História do Carnaval no Brasil
O Carnaval chegou ao Brasil, entre os séculos XVI e XVII, pelos portugueses. Uma das principais práticas do Carnaval português reproduzidas no Brasil foi uma brincadeira conhecida como entrudo. O entrudo foi proibido pelo seu caráter agressivo, no século XIX, mas foi realizado até o século XX.
O entrudo era uma brincadeira popular em que as pessoas, sobretudo as mais humildes, saíam às ruas para sujar umas às outras. Para isso, utilizava-se diversos itens para molhar ou sujar alguém: água perfumada, água suja, lama etc. O entrudo também podia ser executado por outro tipo de troça.
Havia uma distinção dessa brincadeira entre o povo e a elite, pois a massa popular realizava-a nas ruas do Rio de Janeiro, e membros da elite local, no interior de suas famílias. As ações do governo contra essa prática contribuíram para que ela desaparecesse no século XX. Com o tempo, diversos outros elementos foram sendo adicionados ao Carnaval brasileiro, fazendo com que cada região do país tenha uma peculiaridade nessa celebração.
Fonte:https://escolakids.uol.com.br/datas-comemorativas/carnaval.htm
O Poder de Cura da Amizade ao Envelhecer
Ter alguns bons amigos – ou muitos – sempre foi de ouro. E à medida que você envelhece, essas amizades podem se tornar ainda mais importantes.
Se você está na casa dos sessenta anos ou mais, as amizades não são apenas a cola social e o brilho da vida: à medida que você envelhece, boas amizades podem dissipar a solidão, melhorar sua saúde, aumentar sua sensação de bem-estar e até aumentar sua expectativa de vida.
Amigos não são apenas para diversão: eles também podem salvar vidas
A solidão decorrente de ter poucos amigos não apenas leva você a um estado de depressão: pode até encurtar sua vida útil.
Para adultos com mais de 60 anos, a solidão parece aumentar o risco de morrer mais cedo, de acordo com um estudo que acompanhou mais de 1.600 homens e mulheres matriculados no Estudo de Saúde e Aposentadoria da Universidade de Michigan.
Os pesquisadores definiram a solidão como falta de companheirismo e sentimentos de isolamento ou não pertencimento. Aqueles que relataram solidão foram quase uma vez e meia mais propensos a morrer durante os seis anos de acompanhamento.
Além disso, as pessoas solitárias eram menos propensas a realizar tarefas e atividades diárias simples, como caminhar pelo quarteirão, vestir-se e tomar banho e carregar objetos leves.
Outras pesquisas sugerem maneiras de aliviar a solidão, mesmo na segunda metade da vida. Um estudo publicado em março de 2018 no Journals of Gerontology Series B: Psychological Sciences & Social Sciences, por exemplo, descobriu que adultos com 51 anos ou mais que perderam um cônjuge por viuvez se sentiram menos solitários quando começaram a se voluntariar mais de duas horas por semana.
Amizades mantêm seu cérebro afiado
Se você não é do tipo que tem muitos amigos, tenha certeza de que a qualidade pode ser mais importante do que a quantidade, diz Rosemary Blieszner, PhD e especialista em desenvolvimento humano e envelhecimento. Se você tem pelo menos uma pessoa que o entende – um amigo que você sente que pode contar qualquer coisa – isso é suficiente para contribuir para seus sentimentos de bem-estar, diz ela.
Outras pesquisas sugerem que o sentimento ou percepção de solidão, em vez de isolamento, pode ser o que aumenta o risco de problemas cognitivos como demência mais tarde.
Pesquisadores holandeses descobriram que aqueles que se sentiam sozinhos eram cerca de 1,6 vezes mais propensos a ter demência, enquanto aqueles que estavam socialmente isolados, mas não solitários, não tinham maior risco do que outros, de acordo com o estudo de 2012 publicado no Journal of Neurology, Neuropsychology & Psychiatry.
Por outro lado, um estudo publicado em outubro de 2018 no Journal of Aging and Health descobriu que o isolamento social, ou a falta de contato com uma rede social, estava associado a um declínio mais acentuado na função cognitiva do que a sentimentos de solidão.
Em ambos os casos, porém, a mensagem é clara: ter conexões sociais significativas é importante para manter a função cerebral.
A interação social, independentemente de quantos amigos são ideais para você, ajuda a manter suas habilidades cognitivas e de pensamento afiadas, diz o Dr. Blieszner. “As pessoas socialmente isoladas e não estimuladas são as que tendem a ter menor capacidade cognitiva na velhice.”
Além de manter sua mente em forma, os amigos também podem ajudar com sua saúde física. “Os amigos encorajam você a comer bem, fazer exames e exercícios, ir ao clube de saúde ou brincar com seu cachorro”, diz Blieszner.
De uma maneira ou de outra, manter os amigos ao longo dos anos faz muito bem à saúde e ao coração. Nutra essa linda e importante relação enquanto envelhece.
Principais causas de tontura nos idosos
A tontura em idosos é um fenômeno comum que, frequentemente, está associado a uma variedade de condições médicas, podendo ser um indicativo de problemas no sistema vestibular, cardiovascular, neurológico ou metabólico. Esta questão de saúde torna-se especialmente relevante ao considerarmos os riscos associados às quedas em idosos, um fenômeno que pode ter consequências graves para a saúde e a autonomia dessa população.
De acordo com dados da Organização Mundial da Saúde (OMS), estima-se que aproximadamente 30% dos adultos com mais de 65 anos de idade sofrem ao menos uma queda por ano. A tontura é um fator significativo que contribui para esse cenário, sendo responsável por aumentar a vulnerabilidade dos idosos a episódios de desequilíbrio e quedas.
Os números indicam que as quedas representam uma das principais causas de lesões e hospitalizações em idosos. Estatísticas mostram que cerca de 20% das quedas resultam em lesões mais graves, como fraturas e traumatismos cranianos. Além disso, as quedas têm implicações psicológicas, contribuindo para o medo de cair novamente e, consequentemente, reduzindo a qualidade de vida e a mobilidade dos idosos.
A relação entre tontura e quedas em idosos é complexa. A tontura pode ser um sintoma isolado ou estar associada a outros fatores de risco, como fraqueza muscular, alterações na visão, uso de medicamentos que afetam o equilíbrio e doenças crônicas. Portanto, entender e abordar a tontura em idosos requer uma avaliação abrangente de sua saúde geral.
Diversos estudos demonstram que a avaliação e o tratamento adequados da tontura podem reduzir significativamente o risco de quedas em idosos. A vertigem posicional paroxística benigna (VPPB), uma das causas mais comuns de tontura, pode ser tratada com manobras específicas realizadas por profissionais de saúde. Da mesma forma, outras condições subjacentes, como problemas cardíacos, diabetes e distúrbios neurológicos, exigem abordagens específicas para minimizar a tontura e, consequentemente, os riscos de quedas.
Além disso, estratégias preventivas desempenham um papel crucial na redução dos riscos associados à tontura em idosos. Programas de exercícios físicos, especialmente aqueles que visam melhorar o equilíbrio e a coordenação, são eficazes na prevenção de quedas. Revisões regulares da medicação, evitando o uso excessivo de medicamentos que podem causar tontura, também são essenciais.
A conscientização sobre essas questões é fundamental, tanto entre profissionais de saúde quanto entre os próprios idosos e seus cuidadores. Compreender que a tontura não é apenas uma parte inevitável do envelhecimento, mas sim um sintoma que pode ser tratado e gerenciado, é crucial para melhorar a qualidade de vida e a segurança dessa população.
Em conclusão, a tontura em idosos não deve ser subestimada, especialmente considerando sua associação com o risco de quedas. Abordagens multidisciplinares, que envolvem profissionais de saúde, cuidadores e os próprios idosos, são essenciais para avaliar, tratar e prevenir a tontura, contribuindo assim para a promoção da saúde e o bem-estar dessa parcela da população.
Caso você ou algum familiar tenha tontura e queixas de desequilíbrio procure um médico otoneurologista para lhe auxiliar.
Fonte:https://otoneuro.med.br/principais-causas-de-tontura-nos-idosos/
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